Природа театра

Введение[править | править код]

Развалины античного театра. Эпидавр, Греция.

Искусство сцены родилось в глубокой древности. В разные времена оно было призвано, то развлекать, то воспитывать, то проповедовать. И с этими задачами театр справлялся — его возможности многообразны, а сила воздействия велика, и потому театральное искусство стремились поставить себе на службу короли и князья, императоры и министры, революционеры и консерваторы. Средние века в применении к театру выдвинули определение Theatrum Mundi, что в переводе с латыни означает «мир в театре». Сценическое пространство мыслили как модель мироздания, где следовало разыграть, повторить таинство творения. В эпоху Возрождения на театр всё чаще стали возлагать задачи исправления пороков. Осуждая «низкие нравы и заблуждения, следует побуждать людей к жизни достойной», — говорится в одном из сочинений того времени. А в эпоху Просвещения искусство сцены оценивалось очень высоко — как «очищающее нравы» и поощряющее добродетель. Эти идеи позже развил русский писатель и драматург Н. В. Гоголь. Для него сцена — «это такая кафедра, с которой можно много сказать миру добра». Тезис «театр — университет», сохраняет значение по сей день.

Во времена тирании и цензуры театр становился не только кафедрой, но и трибуной. Со сценических подмостков звучали призывы к свободе и сопротивлению. В годы революций XX века появился лозунг «Искусство — оружие» (был популярен в 20-х гг.). И театр стал выполнять ещё одну задачу — пропагандистскую.

Рассуждая о театре, А. С. Пушкин писал, что «дух времени требует перемен на сцене драматической». Лучшие театральные произведения всегда оказывались чуткими к историческим переменам. Театр был зеркалом, в котором отражались события и человек. Но мастера театра — творцы, и потому они способны не только понять настоящее, но также предвидеть будущее. Не раз в истории человечества сбывались пророчества, произнесённые со сцены.

Театру не однажды предрекали гибель, но он каждый раз выживал — выдержал конкуренцию и с кинематографом, и с телевидением, и с компьютером. Искусству, творящемуся на глазах у зрителей, суждена долгая жизнь. Преодолевая границы и языковые барьеры, оно являет миру новые открытия. Посещение хорошего спектакля — идёт ли он в прославленном театре или на маленькой студийной сцене — всегда духовное наслаждение и настоящий праздник.

Театр как вид искусства[править | править код]

Страсти Христовы (фрагмент картины). Художник Ганс Мемлинг. XV век. Евангельские сюжеты часто становились основой театральных представлений.

Как и любой другой вид искусства: музыка, живопись, литература, театр обладает своими, особыми признаками. Это искусство синтетическое: театральное произведение (спектакль) складывается из текста пьесы, работы режиссёра, актёра, художника и композитора. В опере и балете решающая роль принадлежит музыке.

Театр — ‘искусство коллективное. Спектакль — это результат деятельности многих людей, не только тех, кто появляется на сцене, но и тех, кто шьёт костюмы, мастерит предметы реквизита, устанавливает свет, встречает зрителей. Недаром существует определение «работники театрального цеха»: спектакль — это и творчество, и производство.

Театр предлагает собственный способ познания окружающего мира и, соответственно, собственный набор художественных средств. Спектакль — это и особое действие, разыгранное в пространстве сцены, и особое, отличное, скажем, от музыки образное мышление.

В основе театрального представления лежит текст, например пьеса для драматического спектакля. Даже в тех сценических постановках, где слово как таковое отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет, а иногда и пантомима имеет сценарий — либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену — это своего рода «перевод» с одного языка на другой. В результате литературное слово становится словом сценическим.

Первое, что видит зритель после того, как откроется (или поднимется) занавес, — это сценическое пространство, в котором размещены декорации. Они указывают место действия, историческое время, отражают национальный колорит. При помощи пространственных построений можно передать даже настроение персонажей (например, в эпизоде страданий героя погрузить сцену во мрак или затянуть её задник чёрным). Во время действия с помощью специальной техники декорации меняют: день превращают в ночь, зиму — в лето, улицу — в комнату. Эта техника развивалась вместе с научной мыслью человечества. Подъёмные механизмы, щиты и люки, которые в давние времена приводились в действие вручную, теперь поднимает и опускает электроника. Свечи и газовые фонари заменены на электролампы; часто используют и лазеры.

Ещё в античности сформировалось два типа сцены и зрительного зала: сцена-коробка и сцена-амфитеатр. Сцена-коробка предусматривает ярусы и партер, а сцену-амфитеатр зрители окружают с трёх сторон. Сейчас в мире используют оба типа. Современная техника позволяет изменять театральное пространство — устраивать помост посреди зрительного зала, сажать зрителя на сцену, а спектакль разыгрывать в зале.

Большое значение всегда придавали театральному зданию

Театры обычно строились на центральной площади города; архитекторы стремились, чтобы здания были красивыми, привлекали внимание. Приходя в театр, зритель отрешается от повседневной жизни, как бы поднимается над реальностью

Поэтому не случайно в зал часто ведёт украшенная зеркалами лестница.

Усилить эмоциональное воздействие драматического спектакля помогает музыка. Иногда она звучит не только во время действия, но и в антракте — чтобы поддержать интерес публики.

Главное лицо в спектакле — актёр. Зритель видит перед собой человека, таинственным способом превратившегося в художественный образ — своеобразное произведение искусства. Конечно, произведение искусства — не сам исполнитель, а его роль. Она творение актёра, созданное голосом, нервами и чем-то неуловимым — духом, душой.

Чтобы действие на сцене воспринималось как цельное, необходимо его продуманно и последовательно организовать. Эти обязанности в современном театре выполняет режиссёр. От таланта актёров в спектакле зависит, конечно, многое, но, тем не менее, они подчинены воле руководителя — режиссёра.

Люди, как и много веков назад, приходят в театр. Со сцены звучит текст пьес, преображённый силами и чувствами исполнителей. Артисты ведут свой диалог — и не только словесный. Это беседа жестов, поз, взглядов и мимики. Фантазия художника-декоратора с помощью цвета, света, архитектурных сооружений на площадке заставляет пространство сцены «заговорить». И всё вместе заключено в строгие рамки режиссёрского замысла, что придаёт разнородным элементам завершённость и цельность.

Зритель сознательно, а порой и бессознательно, будто против воли, оценивает игру актёров и режиссуру, соответствие решения театрального пространства общему замыслу. Но главное — он, зритель, приобщается к искусству, непохожему на другие, творимому здесь и сейчас. Постигая смысл спектакля, он постигает и смысл жизни.

Древний театр

Концепция древнего театра
включает в себя историю Древней Греции, театр эллинистического периода и театр
Древнего Рима.

Театр занимал большое место в
жизни греческого полиса. Выступления длились три дня во время фестиваля Диониса
в январе и марте. В эти дни авторы представили сразу три трагедии, конкурируя
друг с другом. Специальных помещений для театра не было: на склоне Акрополя
были сняты скамейки для зрителей, а внизу, перед сценой, была установлена
круглая платформа — оркестр. Поскольку сцена была далека от зрителей, актеры
(женские роли играли мужчины, женщины действовали только в мимике) надевали
маски, указывающие на тип персонажа: женщина, старик, король и другие. Для
того, чтобы зрители хорошо видели актеров, в театре использовали специальную
обувь на высокой подошве (иногда 25-50 см) — котурний, а актер жестовал
энергично. Сценическая речь была торжественной и содержательной, текст
произносился голосом особого звучания и с особыми интонациями, отличающимися от
повседневного языка. В этом заключалась сила и неотразимость влияния театра на
каждого человека, и политика Афин платила за каждого бедного гражданина, чтобы
все жители могли присутствовать на театральных представлениях, которые были
частью праздничного ритуала.

Греческий театр помимо
хорового пения ассоциировался с ораторским мастерством, так как события на
сцене практически отсутствовали: хор, корифея (хормейстер), актер-декламатор,
который передавал сообщения хору, обменивался репликами с хором, светила,
комментировал все, что обсуждалось, — все они просто рассказывали о событиях,
описывали их, давали зрителям возможность наблюдать, решать, на чьей стороне
справедливость. В зависимости от того, что говорит актер хора, меняется
настроение хора, а вместе с ним и настроение зрителей. Но перед зрителями не
было никакого действия. Речь шла о подвигах богов и героев, о войнах и героических
поступках. Долгое время на сцене был только один актер, кроме хора и корифея,
позже их число увеличилось.

В III-II веках до н.э. театр
в Риме играет большую роль, сюжет пьес заимствован у греков, но персонажи имеют
римское происхождение.

С этрусками и римлянами, как
и со всеми народами, существовали ритуальные и культовые песни и игры, был
также театр популярной комедии из этрусских театральных истерик, греческая
пантомима была близка к популярному театру «Афилан» (из города
Ателла) с постоянной актерской маской: шут Буккон, шут Мак, простак Папа
Римский, хитрый Доссен. Поскольку театральное представление не было связано с
культом божества, а было направлено на праздники, цирковые представления,
гладиаторские бои, триумфы и погребения государственных деятелей, освящения
храмов, римский театр имел прикладной функциональный характер. Римская
республика, а тем более империя, была государством олигархического типа,
поэтому развитие культурной жизни шло по другому пути, что также повлияло на
театр. В таких условиях он не мог отпустить свои глубокие корни. Что
отличалось, как и в Греции, так это статус актера. В отличие от Греции, он не
был полноправным членом общества, и его профессия презиралась.

Организация римского театра
имела свои особенности. Хор не принимал участия в спектакле, актеры не носили
масок. Проблемы римских драматургов не достигли нравственной вершины греческой
древности. Только два драматурга полностью пришли в наше время: Плавта и
Теренс, комедианты, один из которых пришел из низших слоев общества, а другой
был рабом, брошенным своим хозяином на произвол судьбы талантов. Сюжет их
комедии взят из пьес Новозаветной комедии, ее главный герой — умный, любопытный
раб. Трагический жанр представлен только произведениями философа Сенека-тауки, написавшего
пьесы на мифологические темы для узкого круга избранных, которые, строго
говоря, не имеют никакого отношения к театру.

С утверждением Римской
империи пантомимы очень распространены. Тем не менее, римская драматургия
оказала большое влияние на драматургию нового периода классицизма: Корнеля,
Расина (в пост-античной Европе греческий был известен лишь немногим).

И тут нам на помощь приходят сразу несколько других теорий.

Например, что театр частично происходит из фигуры эксцентричного «дурака», «шута» или «клоуна» — своего рода светского эквивалента шамана в ранних обществах. Задачей таких фигур было рассмешить и/или высмеять как толпу, так и в первую очередь лидеров и истеблишмент таких обществ. И к этой теории мы непременно вернемся, когда будем говорить о сатирических пьесах и их связью с лесными божествами – сатирами.

В свою очередь эта теория прекрасно сочетается с другой, которая (по крайней мере частично) объясняет происхождение театра игрой и игривым инстинктом человека. Такой феномен называется лудическим (игровым) импульсом, отмечающим, что порыв играть – это неотъемлемая биологическая потребность каждого человека.

И тут уже возникает третья схожая теория, восходящая к Аристотелю, который утверждал, что у каждого человека есть подражательный импульс. В каждом человеке от природы встроено желание имитировать, играть роли и притворяться, поскольку эти процессы позволяют нам учиться и развиваться. Согласно Аристотелю именно это желание «подражать» в конечном итоге усовершенствовалось и обособилось в театр.

Так что мы имеем?

Первый детский театр в России

Сегодня детский театр – это театральная постановка для юных зрителей по мотивам народных сказок, старинных преданий и современных историй. Причем представления могут быть разными: от классических спектаклей до интерактивных игр. Но в далеком 1779 году все выглядело совершенно не так…

Свою задумку о детском театре гениальный ученый Андрей Тимофеевич Болотов лелеял давно, но осуществить мечту ему удалось только на свое 41-летие. Детский театр, в интерпретации А. Болотова, представлял собой постановку, где в роли артистов выступали юные жители Богородицкого дворца, в т. ч. и его сын – Павел Болотов.

Главной целью детского театра Болотова было обучение юных душ основным принципам морали, различию между: добром и злом, искренностью и фальшью, щедростью и жадностью, трудолюбием и ленью.

Для собственного детского театра А. Болотов сам написал многие пьесы, которые носили воспитательный и назидательный характер. И они не были детскими! Среди них наиболее известны: «Несчастные сироты», «Честохвал», «Награжденная добродетель». Болотов считал, что такие серьезные постановки помогут подготовить ребенка к взрослой жизни. И поэтому никаких поблажек для юных актеров! Дети не играли в постановках – это был труд, тяжелый ежедневный труд, наравне со взрослыми.

Богородицкий дворец, ныне музей-заповедник, Богородицк, Тульская область

Представления первого детского театра в Богородицком дворце собирали аншлаг. На спектакли съезжались люди со всей округи и других городов.

Первый детский театр А. Болотова стал прототипом привычного нам театра: со сценой, зрительным залом, суфлерской будкой, поднимающимся занавесом. А. Т. Болотов был хорошим художником, поэтому все декорации он рисовал сам. Им же были изобретены двойные кулисы, позволяющие быстро сменять декорации.

Вскоре на основателя детского театра начались нападки. Главным обвинением было то, что дети совершенно забросили учебу и трудятся наравне со взрослыми. А. Т. Болотов вынужден был покинуть Богородицк, и с его отъездом театр перестал существовать.

Куклы в театральном мире

История кукольного театра зарождается еще в Египте, где для исполнения ритуальный действий жрецы использовали куклу бога Осириса. В начале кукольный театр был именно обрядово-ритуальным, сейчас же религиозный оттенок сошел на нет. Известные обрядово-ритуальные кукольные театры существуют во многих странах: Японии («Бунраку»), Индонезии («Ваянг»), Каталонии («Эль Пасторес»), Беларуси («Батлейка») и других.

В истории театра кукол в Америке выделяется созданный в 1962 г. театр под названием «Хлеб и кукла». Он отличается гигантскими куклами из папье-маше, очевидным политическим оттенком, а также угощением вкусным хлебом на входе. Такое взаимодействие актеров и зрителей символично: театральное искусство должно быть так близко к народу, как это возможно.

Куклы бывают разными как по размерам, так и по виду. Есть пальчиковые и перчаточные, тростевые и планшетные, марионетки и куклы-великаны. Быть актером кукольного театра не так просто, ведь нужно суметь оживить неодушевленный предмет, наделить его характером и голосом.

Характерной особенностью любого кукольного театра является высмеивание чего-либо, наличие морали, воспитательного элемента у сценок. Какого бы возраста ни был зритель кукольного театра, он найдет там не только то, над чем посмеяться, но и то, над чем сможет задуматься. Часто героями в театре кукол становятся непривлекательные, даже уродливые персонажи, например, французский Полишинель с носом крючком.

Вам наверняка будет интересно знать то, что актеры – народ не всегда богатый. В истории кукольного театра Америки есть факты, что театралы могли посмотреть постановку в обмен на еду.

Самый знаменитый театр Москвы

История Большого театра начинается с даты 28.03.1776 г. Именно в этот день в Москве императрицей Екатериной II была подписана «привилегия» для князя Петра Урусова, разрешающая ему содержать театр в течение десяти лет. Назывался он сначала Петровским театром (в честь улицы, на которую выходил вход). В 1805 году здание полностью сгорает, архитектором Осипом Бове создается новый проект. В 1820 году начинается строительство, продолжающееся 5 лет.

Построенный театр стал больше, поэтому и получил такое название. Радовало это прекрасное, гармоничное, богатое здание жителей Москвы до 1853 года, когда случился второй пожар. На этот раз реконструкция была доверена архитектору Альберту Кавосу. Восстановлен театр был уже в 1856 году. Императорский Большой театр стал известен не только в России, но и в мире: здесь была великолепная акустика. В 1917 году после Революции, название было изменено на Государственный Большой театр. Убранство было дополнено советской символикой.

Он серьезно пострадал во время Великой Отечественной войны, приняв на себя бомбу. Здание снова реконструировали. До 1987 года постройка подвергалась только небольшому косметическому ремонту. Сейчас Большой театр – это здание с новой сценой, где можно использовать современные эффекты. В то же время, оно сохранило дух классической архитектуры, свою «фирменную» акустику, что дает ему право считаться одним из лучших театров в мире. Вот такая история у Большого театра.

И напоследок еще один, не менее интересный факт. Фильмы, действие которых полностью или частично происходит в театре: «Бердмэн», «Горе-творец», «Ла-Ла Ленд», «Призрак оперы», «Бурлеск сказки», «Нокаут», «Натыкаясь на Бродвей», «Черный лебедь», «Кукловод», «Ужасно большое приключение», «Влюбленный Шекспир», «Убийство в маленьком городке», «Набережная Орфевр».

История театра (драматического и остальных жанров этого искусства) будет развиваться и дальше, так как интерес к нему остается неизменным уже более двух тысяч лет.

Становление театра в России

В конце 18 века в Москве насчитывалось около 15 частных театров с оркестрами, оперными ансамблями и даже балетными труппами, где артисты были крепостными. Частные театры существовали и в провинции. К примеру, театр в усадьбе, в селе Баловнево Данковского уезда.

В 19 веке театральная жизнь в России изменилась. В 1806 году был основан Императорский театр. Театры уже содержались на государственном попечении.

В первый период истории русского театра сформировалась особая школа с общностью художественных средств, звука и стиля игры. В тоже время русским театрам была более присуща французская школа, она преобладала почти 100 лет. Красота внешних художественных приемов, была присуща французской театральной школе. Кроме того, на стиль включал тщательную проработку деталей. Все это внесло глубокое уважение к искусству лучших русских актеров и уважение в среде их западных коллег.

В истории русского театра были эпохи, которые были беспрецедентными по количеству великих талантов, которые сияли на сцене одновременно.

Русские театры конца XIX — начала XX века характеризовались большой творческой активностью и поиском собственного стиля. Когда Константин Станиславский и Владимир Немирович-Данченко основали МХАТ в 1898 году, это было выдающееся событие в истории не только русского, но и мирового театра.

«А что же такое театр?»

Возможно кто-то удивится, но первая ассоциация у большинства людей возникает именно со зданием, где исполняются пьесы и показываются спектакли. И это неудивительно – само слово «театр» происходит от греческого «место для зрелищ».

Однако такое «место» может быть как большим, так маленьким; как крытым, так и устроенным на открытом воздухе; как специально построенным для регулярных «представлений», так и позаимствованным на время.

Иногда «представления» даже происходят (а в последние годы все чаще) в местах, которые в принципе на театр не похожи – это и парки, и парковки, и подвалы, и тротуары (да-да!), и даже частные дома и квартиры!

И, конечно, слово «театр» так же применяется и в отношении пьес, литературных материалов и прочих документов, которые используются в постановках.

Более того, существует даже такой жанр, как «пьеса для чтения» (или «драма для чтения»), когда произведение преднамеренно написано так, чтобы его было невозможно воплотить сценически, но чтобы при прочтении оно вызывало опыт переживаний, схожий с театральным.

А есть еще и «импровизированные пьесы», у которых вообще нет прописанного сценария. Или пьесы, у которых выстроенный сценарий есть, но которые не используют слов (как, например, некоторые рассказы Сэмюэля Беккета).

И все это (нравится оно нам или нет) – тоже театр.

Наиболее расхожее определение гласит:

И это определение охватывает большинство вышеперечисленного.

Но опять же! А какого именно исполнителя? Какого зрителя?

Да, большинство постановок используют в качестве актеров реальных людей. Но тем не менее сегодня существует множество спектаклей, где роли исполняют роботы, запрограммированные компьютерные технологии, просто синтезированный голос.

И если вы сейчас подумали, что это – примеры уже совсем каких-то «современных извращений», не спешите с выводами. Вспомните о театре, где в главных ролях выступали животные. А еще лучше – о театре кукол. Тут вы можете справедливо возразить, что куклами все же «управляют» конкретные люди. Но, хочется верить, что роботами и технологиями пока тоже!

Так что же получается?

Доклад №2

История есть у всего. Свою историю имеет и театральное искусство. Театр появился более двух тысячелетий лет назад, но он всё ещё продолжает развиваться.

Театр появился в Афинах в 5 веке до.н.э. Ни один религиозный праздник не проходил без театральных представлений. Изначально театр был предназначен для развлечения публики, с помощью сценок и песен в форме трагедий.  Позже к представлениям был отнесен и комедийный жанр.

Первые представления были приурочены к религиозному празднованию Великих Дионисиев. Праздник сопровождался шествием со статуей бога Диониса, песнями и играми в драматическом стиле.

Важно, что любое представление могло быть показано единожды, при этом драматург должен был полностью выкладываться в своё представление. Он (драматург) не только писал пьесу, но и выполнял роль актера, режиссера, балетмейстера и композитора

Из этого следует, что драматургом мог стать только талантливый человек.

Кроме драматургов, в театральном искусстве были руководители хора или хореги. С хорегами было всё проще. Руководитель мог не обладать талантом, но должен был иметь деньги и связи со служащими. Его обязанностью было материальное финансирование и оплата счетов театра.

Существует несколько особенностей в театре и театральных представлениях того времени:

• Реализм. В Риме ценились выступления, в которых актер полностью вживался в роль и при необходимости был готов умереть.
• Выступающими были мужчины(независимо от роли).
• Актеры всегда выступали в масках (чаще всего в гротескных).
• Все лица, участвующие в жизни театра, освобождались от налогов.
• Греческие театры не имели крыш, но имели весьма внушительные размеры. Деревянные помосты античных театров вмещали до 44 тыс. человек.

Первый каменный театр построили в 6в.до.н.э.

Изначально представления могли посещать материально обеспеченные люди, но с приходом к власти Перикла, театр стал доступен всем гражданам.

Куклы в театре                                

Зарождение кукольного театра произошло в Египте. Изначально куклы использовались в жреческих обрядах, как часть поклонения культу предков. Позже оттенок религиозности исчез, и на его место встало высмеивание пороков и критика, за счёт образа куклы.

Театр в отечественной истории

Историю театра России делят на следующие этапы:

1. Игрищный или начальный.
2. Средний.
3. Зрелый.

Начальный период берет своё начало в 11 веке(первое упоминание в 1068 – скоморохи). Актером в период игрищ(выступления) мог стать любой, но должность считалась постыдной, а самих скоморохов считали слугами дьявола, а их игру – грехом. Сами представления имели вид сатиры.

Средний этап начинается в период правления Алексея Михайловича и длится до Петра Первого. Петр любил зрелища, но кроме развлекательной функции, к театру приобщили пропагандистскую. В период правления Петра театр стал общедоступным и популярным местом для людей.

Зрелый этап начинается с открытия Императорского театра(30 августа 1756) и продолжается по сей день. Именно в зрелый период, театр стал тем, что люди представляют и видят в настоящее время.

Для детей

Театры Европы

Когда произошло грандиозное падение Римской империи, античные театры прекратили свою деятельность. Христиане постоянно презирали актеров, за их откровенное лицедейство на сцене, и нередко исключали театралов из своих общин. Театр создавался сначала, уже на основе новых традиций, религиозных праздников. На сцене теперь проводились инсценировки богослужений. Начиная с шестого века, люди разыгрывали спектакли на большие церковные праздники, включая Пасху и Рождество. В качестве главных «актеров» были представлены священники. Вскоре литургические представления стали очень насыщенными и яркими. Все время в них вносились новые кардинальные изменения. На сцене начала активно отображаться жизнь святых со всеми их деяниями. Тексты для представлений писали талантливые поэты, под руководством христианской общины. В сюжете не допускалось неприличных или комедийных моментов.

Это интересно: История создания сумки — разъясняем по полочкам

Краткая история развития театра

Театральное искусство
восходит к древности, к тотемическим танцам, ритуальной имитации звериных
привычек, совершению обрядов с использованием специальных костюмов, масок,
татуировок и окраски тела. На ранних этапах развития театра драматурги и
исполнители объединялись в одном лице.

В древности на представления
собирались до полутора десятков тысяч зрителей. Действие спектаклей
разворачивалось в лоне природы, как будто оно оставалось событием самой жизни.
Это придало древнему театру естественность и живость.

В средние века театр
развивался в формах, восходящих к литургической драме, которая исполнялась во
время службы. В XIII-XIV веках из богослужения возникли жанры, отделенные от
богослужения — тайны, чудеса, эти церковные произведения проникают в народные мотивы
и спектакли. Формы народного театра исполняются как светским творчеством, так и
в виде уличных представлений бродячими актерами. В XV веке рождается самый
демократичный жанр средневекового театра — фарс, остроумно изображающий жизнь и
нравственность современников.

В эпоху Возрождения
популярные формы театрального искусства пропитались гуманизмом (итальянская
маскарадная комедия), театр стал философским, средством анализа состояния мира
(Шекспир), инструментом социальной борьбы (Лопе де Вега).

Театр классицизма (17 век) —
современное искусство своей эпохи, основанное на нормативной эстетике (Буало) и
рационалистической философии (Декарт). Она основана на драматургии великой
трагедии («Расин», «Корнель») и великой комедии («Мольер»),
утверждающей идеальных героев и насмехающихся над ними пороков. Актеры
воплощают универсальные характеристики персонажей, пренебрегая при этом их
историческими и национальными особенностями. Театр классицизма находится в
центре художественных интересов двора и потребностей зрителей.

В XVIII веке Век. театр
пронизан воспитательными идеями (Дидро, Лессинг), он становится средством
социальной борьбы третьего класса с феодализмом. Актеры пытаются выразить
социальную позицию персонажа.

В первой половине XIX века
распространился романтический театр. Она характеризуется повышенной
эмоциональностью, лиризмом, мятежным пафосом и характерна при изображении
персонажей.

В 1930-х годах критический
реализм стал доминирующей тенденцией в театре. Это направление развивалось на
основе драматургии Гоголя, Островского, а позже Чехова, Ибсена, Шоу. Театр стал
глубоко национальным и демократизированным, развивались его массовые и народные
формы. Есть театры для простых людей: «Бульвар» (Париж),
«Маленький» (Нью-Йорк), пригородный театр (Вена).

Русское сценическое искусство
XIX века — это театр реализма, острых социальных проблем, критического
отношения к действительности, сатирической репрезентации, типизации жизни,
психологического анализа личности.

В первой трети ХХ века в
театре была проведена большая реформа: театр пришел к режиссеру. Это завоевание
двадцатого века. Режиссеры Станиславский, В. Мейерхольд, М. Райнхардт, А.
Аппиа, Х. Крейг, Л. Курбас создали новые научные теории оленеводства. В
настоящее время основным принципом выступления является ансамбль. Режиссер
руководит этим ансамблем (труппой), интерпретирует идею драматурга, воплощает
пьесу в спектакле и организует весь ход спектакля.

Драма

История драматического театра восходит к античным временам. Это один из видов искусства, вместе с театром кукол, пантомимы, оперой и балетом. Главная отличительная черта драматического театра – действия актера сочетаются с произнесенными им словами

Сценической речи уделяется в этой разновидности жанра особенное внимание. Основой драматического спектакля является пьеса

В процессе актерской игры возможна импровизация, действие может включать танец, пение. Спектакль строится на основе литературного произведения. Главным интерпретатором пьесы или сценария является режиссер.

Довольно примечателен тот факт, что у работников театра считается, что уронить сценарий – не к добру. Если эта неприятность произошла, надо обязательно на него сесть.

Это интересно: История создания телевидения

Заключение

Как и любой другой вид
искусства (музыка, живопись, литература), театр имеет свои особенности. Это
искусство синтетическое: пьеса (спектакль) состоит из текста пьесы,
произведения режиссера, актера, художника и композитора. В опере и балете
музыка играет решающую роль.

Театральное искусство уходит
корнями в глубину. На ранних стадиях развития театра драматург и исполнитель
объединялись в одном лице.

В древности на представления
собирались до полутора десятков тысяч зрителей. Действие спектаклей
разворачивалось в лоне природы, как будто оно оставалось событием самой жизни.
Это придало древнему театру естественность и живость. В средние века театр развивался
в формах, которые можно проследить по литургической драме, которая исполнялась
в контексте службы. В эпоху Возрождения популярные формы театрального искусства
пронизаны гуманизмом (итальянская маскарадная комедия), а театр приобрел
философский характер. Театр классицизма основан на драматургии великой трагедии
(«Расин», «Корнель») и великой комедии
(«Мольер»), утверждая идеальных героев и насмехаясь над пороками. В
первой половине XIX века распространился романтический театр. В тридцатых годах
XIX века критический реализм становится доминирующей тенденцией в театре. В
первой трети 20 века театр претерпел Великую Реформу: в театр пришел режиссер.

Долгое время главным героем в
театре был актер, а режиссеру отводилась вспомогательная роль. В современном
понимании режиссер — это не только интерпретатор пьес, но и организатор
театрального процесса, идеолог театра.

Станиславский разработал
принципы действия в Театре опыта и применил их на практике в искусстве. Система
Станиславского дала ключ к осознанному овладению творческим процессом и
предложила такое сценическое поведение, которое приводит к трансформации актера
в образ.