Дельцы и художники. коммерческое и авторское кино

Путешествие в трансцендентальность

Трейлер к фильму  «Мертвец» (1995)

Вспомните свое самое ужасное путешествие — украли деньги, сломалась машина, попались ужасные попутчики, застряли на сутки в аэропорту из-за нелетной погоды. Как же это похоже на артхаус! Комфорт здесь никто не гарантирует. Порой даже авторы фильма не знают, чем закончится это путешествие.

Вспомним «Мертвеца» Джима Джармуша. Финал заявлен в самом названии фильма: мы знаем, что скромный бухгалтер, с громким именем бессмертного поэта, Уильям Блэйк, случайно оказавшись в постели с проституткой «в завязке», поймает пулю и умрет в финале.

Но зритель останется в зале, ведь герой не может путешествовать по Дикому Западу в компании индейца по имени Никто и не испытать нечто трансцедентальное перед смертью. Как и в жизни — человек не может просто так появиться на свет и уйти, ничего не испытав, не прикоснувшись хотя бы на миг к вечности.  

Авторское кино — это искусство, порождённое Новой Волной

Новая Волна — это движение, сформировавшиеся во Франции в 50-60е годы.

Представители «Новой волны» дебютировали как режиссёры в 1957—1958 годах картинами, которые выделялись негативным отношением к традиционной морали и миру старших, поисками новой стилистики и новыми героями — молодыми, раскованными в суждениях и поступках, олицетворяющими близкий приход эры молодёжной революции.

Режиссеры «Новой Волны» отрицали свою принадлежность к единой «школе», однако их работы обладали несомненными чертами сходства:

• отказ от ориентации на дорогостоящий коммерческий фильм,
• импровизационный метод съёмки, главным образом на натуре и в естественных декорациях,
• нетрадиционная организация материала,
• интерес к жизни молодого поколения,
• скептическое отношение к социальным ценностям буржуазного общества.

Мировое признание деятелям «Новой волны» принесли их первые фильмы. Они произвели впечатление революции в кинематографе смелостью в выборе материала, новым видением мира и оригинальностью киноязыка. Ниже несколько из них.

Представители «Новой волны» выработали уникальный, присущий только им художественный киностиль, «почерк», который прослеживается во всех их картинах.

Дадаизм в кино

Дадаизм – это попытка эскапизма, спасительная реакция на устрашающие события Первой мировой войны, наркотик, игра. Отказавшись от правдоподобной имитации предметного мира перед художниками открываются новые возможности. Художники-дадаисты, преимущественно французы, снимали также и кино. Основные приемы, такие как коллаж — рваные фрагменты произвольно складываются в сбивающее с толку единое целое. Ассамбляжи и готовые объекты, которые не возможно воспринимать как искусство – сами по себе неприятные ржавые, сломанные.

Режиссер живописец Фернан Леже

«Антракт» 1924 г.

Фильм Рене Клера и Френсиса Пикабии показывали в антракте поставленного Пикабии балета. 

Режиссер американский фотограф-дадаист Ман Рэй

Джо (Joe) 2013

Необычный артхаусный фильм с Николасом Кейджом в главной роли. Действия происходят в самой настоящей глухомани в Миссисипи, где местные лесорубы специально портят деревья ядом, чтобы потом их законно можно было срубить. Их начальник — бывший осужденный Джо, постоянно имеет проблемы с полицейскими, которые издеваются над ним, регулярно останавливая его на дороге.В целом Джо проживает скучную и бесцельную жизнь, постоянно мешая виски с колой и посещая проституток.

Однажды, 15-летний Гэри приходит к Джо, с просьбой взять его на работу. Гэри живет в полузаброшенном доме с матерью, сестрой и жестоким отцом-алкоголиком. Джо жалеет Гэри и становится для него наставникам, помогая ему выбраться из той грязи и нищеты, где он находится.

Экс-ударник (Ex drummer) 2007

Что будет если шепелявый женоненавистник, гомосексуалист с дефектом нерва руки и глухой наркоман решат создать крутую рок-группу и позовут в качестве барабанщика знаменитого писателя? — Сумасшедная драма, которая отправит вас на самое дно человеческого общества, в захолустье благополучной Европы, в мир маргиналов и фриков, живущих на пособия по безработице.

Фильм снят режиссером Коэном Мортье в 2007-м по одноименной книге Германа Брюссельмана, вышедшей ещё в 1994 году и представляет из себя аутентичную фламандскую драму с шикарным саундтреком, который непременно окажется в вашем любимом списке воспроизведения.

ЗащитнеГ (Defendor) 2009

Драматичная комедия о парне, который решил стать супергероем. Мама Артура умерла от передозировки наркотиков, когда он был ещё ребёнком. Это сильно повлияло на его дальнейшую судьбу. Он вырос замкнутым и необщительным, с задержками в психическом развитии и очень увлеченным комиксами. Он сделал себе костюм супергероя и пытается найти выдуманного им же врага — Капитана Индустрию, который по его мнению и причастен к гибели его матери.

Это великолепный артхаусный фильм, который сильно отличается от всех кинокартин о супергероях. Драматичный реализм и наивность главного героя трогают как зрителя так и персонажей фильма, которых он встречает на своём пути в борьбе с Капитаном Индустрией.

В современном кинопроцессе

На нынешний момент существование авторского кино не вызывает сомнений ни у зрителей, ни у критиков. «Авторскими» признаются фильмы, в которых присутствует индивидуальный взгляд (почерк) автора, то есть режиссёра фильма. Хотя в таком высокотехническом виде искусства, как кино, и присутствует большое количество коллективного труда, тем не менее у авторского кино остальные участники процесса «отходят» на второй план.

По сложившимся на сегодняшний день реалиям и «де-юре», и «де-факто» автором фильма является режиссёр-постановщик, вне зависимости от того, признается ли потом его фильм «авторским» или не признаётся.

Для современного российского киносообщества характерно маргинальное противопоставление и даже противоборство авторского кино и продюсерского. Бытует мнение, что априори к «авторским» относятся фильмы, представляющие художественную ценность, а к «продюсерским» — фильмы, художественной ценности не представляющие.

Одним из направлений авторского кино стало кино некоммерческой или, в редких случаях, безбюджетной реализации. Что возможно только благодаря удешевлению технических средств киносъёмки и монтажа.

Объективно можно утверждать только то, что у ряда кинорежиссёров в процессе их творчества формируется индивидуальный, присущий только им авторский стиль, а у ряда кинорежиссёров авторский стиль не формируется, но и те и другие являются авторами своих произведений. Такое явление можно наблюдать в любой творческой деятельности: литературе, живописи, архитектуре и так далее.

На основе авторской теории сформировались такие граничащие с авторским кино понятия, как «артхаус», «независимое американское кино» и другие.

«Завтра была война» (1987), режиссер Юрий Кара

Ирина Чериченко и Наталья Негода в фильме «Завтра была война» (1987)

Дипломная работа Юрия Кары, которую он посвятил своему учителю — Сергею Герасимову. Изначально снималась как короткометражка по повести Бориса Васильева, но позже было решено сделать из нее полноценный фильм. В центре сюжета 1940 год, который оказался сложным испытанием для учеников 9 класса на их пути во взрослую жизнь. Однако впереди их ждет нечто гораздо более страшное…

Фильм отмечен призами во Франции, Испании, Польше, Германии. Нина Русланова, исполнившая роль матери главной героини, получила «Нику». Здесь сыграла одну из своих первых ролей будущая «Маленькая Вера» Наталья Негода.

Версии для отдельных рынков

В некоторых случаях фильмы из коммерческих соображений не обрезают, а дополняют отдельными сценами. Один из интересных примеров – вышедший в 2013 году «Железный человек 3». Для показа в Китае картина была дополнена кадрами с популярной в этой стране актрисой и певицей Фань Бинбин.

Китайский кинорынок уже в 2013 году был вторым в мире, поэтому производителям фильмов из США приходится учитывать интересы аудитории. Появление местной знаменитости было направлено именно на то, чтобы увеличить шансы проката картины в КНР. Весь остальной мир при этом смотрел ту же версию «Железного человека 3», которая готовилась для американских кинотеатров.

Корабельные Новости (The Shipping News) 2001

Хороший и душевный фильм по роману Энни Пру, который удостоился Пулитцеровской премии. Вас ждёт превосходная игра Кевина Спейси, играющего неуверенного в себе неудачника Койла. Герою чудом посчастливилось встречаться со свободолюбивой и красивой Петел. Поначалу у них всё складывается, но вскоре она начинает в открытую ему изменять приводя при нём в дом любовников, в то время как замкнутый в себе Койл пытается растить их дочь. Неожиданно Петел погибает в автокатастрофе со своим любовником и в тоже время родители Койла кончают жизнь самоубийством. Раздавленному парню ничего не остается как вместе с дочерью отправится в Ньюфаунленд и начать жизнь заново, работая журналистом в местной небольшой газете.

Мартин Скорсезе

Мартин Скорсезе и Леонардо ДиКаприо на съемках фильма «Остров проклятых»

За 53 года своей режиссерской карьеры Мартин Скорсезе создал, с учетом первых короткометражных опытов, 66 картин. Один из самых плодовитых и прославленных за всю историю американских режиссеров охватил множество жанров (хотя особенно прославился своими гангстерскими лентами), а его фирменные приемы можно отследить еще начиная с самых первых его работ. Эмоциональный и экспрессивный Скорсезе любит использовать съемку с движения – как бы разворачивая перед зрителем масштабную картину, – или же замедленную съемку – в основном ради психологического эффекта. Еще одна характерная деталь в фильмах Скорсезе – очень многочисленная и великолепно скоординированная массовка, в которой у каждого человека есть своя маленькая, но от этого не менее важная роль. Музыка, которую Скорсезе использует в своих фильмах, тоже часто становится знаковой. Например, песня «Gimme Shelter» группы The Rolling Stones, которая звучала в «Славных парнях», «Казино» и «Отступниках» стала чем-то вроде «неофициального гимна мафии» в кино.

Уэс Андерсон

Уэс Андерсон на съемках мультфильма «Остров собак»

Если режиссер – Уэс Андерсон, создатель «Королевства полной луны» и «Отеля «Гранд Будапешт»», то об этом можно догадаться по первым же секундам трейлера. В фильмах Андерсона всегда есть что-то причудливое и немного фантастическое, а еще никто больше не прорабатывает «картинку» в каждой сцене настолько тщательно, как это умеет делать Андерсон. Он всегда придерживается тщательно продуманной цветовой гаммы, которая подбирается очень кропотливо, а в результате придает каждому кадру оттенок и художественности, и какой-то сказочности. Здесь продумывается все – от одежды персонажей до всего антуража, в самых подробных деталях. Характерный Уэсу Андерсону стиль съемки – неподвижная камера и плоскостная симметричная композиция (главные объекты почти всегда в центре кадра). Говоря простыми словами, создается ощущение, что перед нами как будто бы не фильм, а картина. По этой же самой причине у режиссеров обычно принято избегать подобных приемов – они лишают кино «трехмерности». Для Андерсона, напротив, это излюбленная «фишка», так же как и подчеркнутое использование типографики (надписи и их шрифты так и бросаются в глаза) и общий винтажный дух, преобладающий в его фильмах.

https://youtube.com/watch?v=M2DdZl0jh_U

Сталкер 1979

В список арт-хаус фильмов и авторского кино просто нельзя было не включить это знаменитое произведение Тарковского по книге братьев Стругацких. Благодаря этому кино Тарковский стал не просто значимым режиссером для нашего кинематографа — Сталкер получил приз экуменического жюри на Каннах в 1980 году.

Фильм рассказывает о некой зоне, в которую когда-то упал метеорит и в ней стали пропадать люди, происходить необъяснимые науке вещи. Военные закрыли её по периметру и простым людям вход туда стал запрещен. Начало фильма снято на черно-белую пленку, потом он становиться цветным. В качестве главных героев выступают три персонажа — Сталкер, который водит людей за военный периметр на зону, зарабатывая этим на жизнь, Писатель у которого творческий кризис и он решает посетить эту самую зону для вдохновения и Ученый, которому интересно разгадать загадки зоны.

Сталкер это не только философские диалоги, это и знаменитые молчаливые сцены Тарковского, где главное не действие, а ощущения и атмосфера, которую он пытается донести до зрителя с помощью операторской работы.

Авторское кино — это про общечеловеческие проблемы

Вернемся в прошлое — 20 век, кризисные эпохи. Кино отражало эти проблемы, пройденные человечеством, и отражает сегодняшнее состояние мира.

Противостояние характеров, взрывы человеческих страстей, «спрессованные конфликты» — всё это занимает режиссёров. Помочь человеку осознать истинную реальность условий своего существования, вернуть ему утерянные чувства, освободить его от иллюзии — вот задачи авторского кино. При этом одним из важных аспектов является жёсткая критика современности.

Кинематограф выступает как отражение действительности, а затем фиксирует результаты этого отражения, которые соотносятся как познание и язык.

Авторское кино стремится по-новому подойти и к законам кинодраматургии. Постоянно экспериментируя, представители авторского кино создавали свой язык, наметив контуры будущего развития кино.

Необходимы были новые выразительные средства, новый подход к характеру, сюжету, конструированию фильма, да и к самому киноязыку. Режиссёры авторского кино исследовали и продолжают исследовать новые сферы образности и содержания, стиля и формы.

https://vk.com/video_ext.php

С появлением авторского кино у кинематографа появился новый язык общения с действительностью. Богатый киноязык используется в авторских фильмах для выражения глубинных уровней смысла, большей глубины подтекста. Языком символики и аллегории они повествуют не о совершённых ошибках, а о том, как сделать свой собственный вывод из чужих и своих ошибок.

Ингмар Бергман ввёл в киноязык понятие камерности. Это отразилось на смысловой нагрузке и на актёрской игре. Она достигла уровня передачи душевных порывов, при котором одним движением глаз молено разрушить грань между искусством и реальностью.

Новая чувственная подача сильно повлияла на мысли и чувства зрителя, объяснив подлинный смысл существования человека двадцатого столетия.

Расширенная версия (Extended Cut / Unrated)

Расширенная версия часто путается с режиссерской, и для этого есть определенные основания. В обоих случаях из фильмов вырезают некоторые сцены. Однако если режиссерская версия может перевернуть все восприятие кинофильма, то расширенная лишь добавит новых элементов. Они не будут особенно влиять на ход сюжета и мотивацию персонажей.

Часто выпуск Unrated Cut является коммерческим ходом для того, чтобы повысить продажи фильма после проката. В расширенную версию могут включить всего одну сцену и написать на обложке диска «Без цензуры». Если фильм имеет коммерческий успех, то такой ход будет вполне рабочим. Заплатив еще раз за копию фильма, зритель нередко получает версию, в которую добавляется сцена с обнаженкой, особо кровавым мордобоем или употреблением наркотиков. Из театральных версий такие моменты часто исключаются, чтобы не попасть под возрастные ограничения.

Авторское кино — это поэтическое кино

Опираясь на реальность, оно передаёт разные настроения, в которых есть место фантазиям, сновидениям и мифам. В основе авторских фильмов лежит поэтический образ. Он состоит из нескольких менее масштабных поэтических образов.

Именно поэтический образ помог авторскому кино прорваться через абсурдный мир XX века.

Авторские фильмы не предназначены для массового зрителя, они не выражают позицию масс. Они отражают личный мир автора, а также многое, что свойственно каждому человеку, важные этапы драмы ушедшего столетия.

Эти фильмы впитывали особенности и атмосферу тех периодов, в которых они создавались.

Авторские фильмы — это зеркала, представляющие свою эпоху в тонких зарисовках они отражают тревогу, чувства и мысли, надежду на спасение, попытки избежать страдания и боли, порождаемые созерцанием человеческого удела.

Авторские фильмы — это поиск свободы, правды и права жить своей жизнью, поэтому каждый авторский фильм представляется важной ипостасью киножизни. Зритель ждёт от «авторского кино» правды в художественной форме, чтобы смело смотреть в лицо реальности, принимать её свободно, без страха, без иллюзий.

Авторские фильмы ни к чему не привязывают, не угнетают зрителя моралью, не сулят надежд

Они высокоинтеллектуальные «забавы» и дают возможность зрителю уйти из зала, получив моральный или социальный урок, философский урок, урок на будущее.

Экспрессионизм в кино

Шок поражения в Первой мировой войне на фоне относительной изоляции немецкой киноиндустрии способствовал тому, что завладевшие немцами эмоции разочарования, тревоги, возмущения и т. д. стали выплёскиваться на киноэкран. Для немецких фильмов того времени характерны гротескные искажения пространства, контрастное освещение, сдвиги. Художники деформируют действительность, обращаются к мистике, иррациональному, фантасмагорическому, гротескному, к обостренной эмоциональности. Меланхолия, истеричность, психопатия, крики протеста. Особую значимость получают художественные образы безобразного.

«Кабинет доктора Калигари» Фридрих Фильгельм Мурнау 1920 г.

Этот мистический триллер считается первым фильмом в жанре киноэкспрессионизма. Геометризованные декорации «Кабинета доктора Калигари» предельно далеки от реализма. Изображения фонарей, теней и предметов нанесены прямо на стены помещения. Расстройство психики главного героя, его нестабильная внутренняя реальность передаётся при помощи съёмки с острого угла и т. н. «субъективной» (шатающейся, подвижной) камеры. Игра актёров экзальтирована, их мимика и жестикуляция утрированы, изобилуют крупные планы. Широко используются цветные светофильтры.

Мурнау также прославился в начале 1920-х фильмами про вампиров «Носферату. Симфония ужаса» 1922 г. Изначально режиссер планировал экранизировать «Дракулу» Брэма Стокера, но киностудия не смогла приобрести права на книгу, тогда Мурнау изменил имена персонажей и переиначил сюжет. 

«Метрополис» 1927 г. режиссер Фриц Ланг

Антиутопия ставит под сомнение технический прогресс и его блага для человечества. Фильм стал самым дорогим проектом за всю историю немецкого немого кино. В массовых сценах были заняты около 30 тысяч человек, из них 750 детей; 1100 человек для участия в массовке эпизода с Вавилонской Башней согласились побрить головы. Для фильма было построено грандиозное количество миниатюрных моделей, изображавших как исполинские здания и машины будущего, так и отдельные автомобили. 

Мад (Mud) 2012

Два 14-ти летних друга плавают на лодке вдоль реки Миссисипи. На одном из безлюдных островов они находят лодку, которую туда занесло наводнением несколько лет назад. Они уже начали мечтать как восстановят её и заберут себе, но оказалось, что в ней живет таинственный парень по имени Мад и ребята сдружившись с ним впутываются в таинственную и опасную историю.

Это фильм о людях и отношениях, о семье и любви, криминале. В роли Мада играет Меттью Макконахи, который доказал в последних работах, что он может хорошо играть не только в мелодрамах и голливудских блокбастерах, но и в серьёзных фильмах.

Дэвид Линч

Дэвид Линч и Наоми Уоттс на съемках фильма «Малхолланд Драйв»

Разбирать режиссерский стиль Дэвида Линча со всеми его загадками можно долго, если не бесконечно. Впрочем, если загадкам Линча и требуется универсальное объяснение, то это прежде всего постмодернизм и деконструкция. Как настоящий режиссер-постмодернист, Линч берет жанровые клише, всем известные сюжеты и стили, и делает из них нечто, противоположное устоявшимся мнениям и ожиданиям. Где-то Линч просто играет с как будто бы привычным содержанием, переливая его в совершенно новую форму. Так, «Синий бархат» – «вариация на тему» детективной интриги, «Твин Пикс» родился из наследия мыльных опер, «Шоссе в никуда» – из нуарных традиций, чья контрастная стилистика Линчу вообще близка. Где-то он больше пародирует, как в «Диких сердцем» – здесь сложно сказать, отдавал ли Линч по-своему должное стилистике голливудских роуд-муви, или скорее «прошелся» по ней. Как авангардист, Линч со своим сюрреализмом обращается больше к зрительским эмоциям, или даже к подсознанию: картины Линча путают зрителя, а порой сильно смущают, но их и не нужно воспринимать рационально. По мнению Линча, в кино идея главенствует над формой, и он всегда охотно признавал, что осознанно и намеренно пробует «самые сумасшедшие комбинации», чтобы каждый мог вынести из его картин что-то свое.

Квентин Тарантино

Квентин Тарантино и Брюс Уиллис на съемках фильма «Криминальное чтиво»

Знаменитые диалоги Тарантино – конечно же, не единственное, чем выделяется его стиль: технически и стилистически его фильмы всегда проработаны не меньше, чем с точки зрения сценария. Сегодня Квентина Тарантино называют одним из лучших мастеров современного кино, ведь в смысле техники ему и правда найдется мало равных. Хотя во многих отношениях Тарантино буквально единственный в своем роде – взять хотя бы те же неподражаемые диалоги. Он же – режиссер, который в своем творчестве совместил влияние гонконгского кино, японского кино, «фильмов категории B» и, конечно же, отсылки и оммажи, которые в его фильмах можно высматривать бесконечно, получив уникальный результат и армию преданных зрителей. Тарантино часто использует динамичную съемку с движения, и в его картинах важная роль всегда отводится музыке (порой до такой степени, что некоторые фрагменты фильма напоминают клип). Еще поистине никто другой не умеет подавать сцены кровопролития так, как Тарантино с его утрированностью, обязательными «тоннами красной краски» и мастерской хореографией драк. «Вишенкой на торте» у Тарантино служит его излюбленный и постоянно встречающийся у него прием «съемки из багажника» с камерой, направленной на героев снизу вверх.

https://youtube.com/watch?v=V_whQnqwEYk

Примеры фильмов

• «Альфавиль» (Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution) (1965) реж. Жан-Люк Годар
• «Аромат Ивонны» (Le parfum d’Yvonne) (1994) реж. Патрик Леконт
• «Белая лента» (Das weiße Band — Eine deutsche Kindergeschichte) (2009) реж. Михаэль Ханеке
• «Вкус вишни» (Ta’m e guilass) (1997) реж. Аббас Киаростами
• «Восемь с половиной» (8½) (8½ / Otto e mezzo / Eight and a Half / Federico Fellini’s 8 1/2 / Federico Fellini’s 8½) (1963) реж. Федерико Феллини
• «Вход в пустоту» (Enter the Void) (2009) реж. Гаспар Ноэ
• «Два лотерейных билета» (Doua lozuri) (2016) реж. Саул Негоеску
• «Догвилль» (Dogville) (2003) реж. Ларс фон Триер
• «Жестяной барабан» (Die Blechtrommel) (1979) реж. Фолькер Шлёндорф
• «Забриски Пойнт» (Zabriskie Point) (1970) реж. Микеланджело Антониони
• «Закат американской империи» (Le Declin de l’empire americain) (1986) реж. Дени Аркан
• «Защитные цвета» (Barwy ochronne) (1977) реж. Кшиштоф Занусси
• «Идеаль» (L’idéal) (2016) реж. Фредерик Бегбедер
• «Индийский ноктюрн» (Nocturne indien) (1989) реж. Ален Корно
• «Когда наступит конец света» (Bis ans Ende der Welt / Until the End of the World) (1991) реж. Вим Вендерс
• «Люсия и секс» (Lucia y el sexo) (2001) реж. Хулио Медем
• «Меланхолия» (Melancholia) (2011) реж. Ларс фон Триер
• «Мефисто» (Mephisto) (1981) реж. Иштван Сабо
• «Мы так любили друг друга» (C’eravamo tanto amati) (1974) реж. Этторе Скола
• «Наука о сне» (La Science des rêves / The Science of Sleep / The Science of Dreams) (2006) реж. Мишель Гондри
• «Отчим» (Beau-père) (1981) реж. Бернар Блие
• «Рассказ служанки» (The Handmaid’s Tale) (1989) реж. Фолькер Шлёндорф
• «Рыжая белка» (La ardilla roja) (1993) реж. Хулио Медем
• «Сало, или 120 дней Содома» (Salò o le 120 giornate di Sodoma) (1975) реж. Пьер Паоло Пазолини
• «Святая гора» (The Holy Mountain) (1973) реж. Алехандро Ходоровски
• «Славное будущее» (The Sweet Hereafter) (1997) реж. Атом Эгоян
• «Слепота» (Blindness) (2008) реж. Фернанду Мейреллиш
• «Соль и пламя» (Salt and Fire) (2016) реж. Вернер Херцог
• «Страна мухоморов» (2009) реж. Л. Машинский
• «Цветения пора» (Lust och fägring stor / All Things Fair) (1995) реж. Бу Видерберг
• «Чемоданы Тульса Лупера, часть 2: Из Во к морю» (The Tulse Luper Suitcases, Part 2: Vaux to the Sea) (2004) реж. Питер Гринуэй
• «Чемоданы Тульса Люпера, часть 1: Моабская история» (The Tulse Luper Suitcases, Part 1: The Moab Story) (2003) реж. Питер Гринуэй
• «Чемоданы Тульса Люпера, часть 3: Из Сарка до конца» (The Tulse Luper Suitcases, Part 3: From Sark to the Finish) (2004) реж. Питер Гринуэй
• «Чемоданы Тульса Люпера: Антверпен» (The Tulse Luper Suitcases: Antwerp) (2003) реж. Питер Гринуэй

Догвилль (Dogville) 2003

Интересный подход к созданию фильма использовал Ларс фон Триер в своем фильме Догвилль. Условные декорации, где вместо домов, начерченные на полу съемочной студии линии, никаких стен и жизнь жителей небольшого городка как на ладони для объектива кинокамеры.

Сюжет относит нас в 1930 годы, когда незнакомка приезжает в Догвилль — небольшой городок, где живут чуть более десятка взрослых и семеро детей. Добрые и отзывчивые жители, гостеприимство, все как и подобает тихим и уютным городкам, но конфликт всегда развивается постепенно. Фильм интересен как сюжетом, так и декорациями, а также общим подходом Ларса фон Триера к созданию этого культового кино.

Кристофер Нолан

Кристофер Нолан, Леонардо ДиКаприо и Эллен Пейдж на съемках фильма «Начало»

В фильмах Кристофера Нолана все «не то, чем кажется», герои постоянно сталкиваются (и обычно справляются) с невозможными ситуациями, а режиссер гнет реальность на свое усмотрение. Фантастика по-нолановски – это немного «магический реализм». Вообразите мир, который почти совсем как наш, но только в нем можно управлять снами («Начало»). Или в котором Николе Тесле удается создать полумагический прибор, с самыми поразительными последствиями («Престиж»). Или мир-предупреждение, в котором жизни на Земле грозит катастрофа, и ничего другого не остается, кроме как начинать искать для человечества новый дом где-то в глубинах космоса («Интерстеллар»). Нолан в своей собственной манере возродил неонуар, причем сделал это, занявшись супергеройскими киноадаптациями и сняв трилогию «Темный рыцарь» (2005-2012) – хороший пример того, что секрет Нолана, вероятно, в том числе и в умении выжать максимум масштаба и размаха даже из не самого сложного сюжета. (Хотя в этом плане «Темного рыцаря» с его прямолинейностью для Нолана можно назвать исключением.) Большую же часть времени Нолан погружен в свои «игры разума», которых все уже привыкли от него ожидать. Тем более что в его случае чем все сложнее – тем интереснее.

Больше о стиле Кристофера Нолана тут:

22 Мая (22 mei) 2010

Вторая полнометражная артхаусная картина от Коэна Мортье. Сэм работает охранником в торговом центре и выходит покурить. В этот момент внутри раздаётся взрыв. Он бежит внутрь, чтобы помочь, но вскоре в приступе паники, убегает оттуда. Отдышавшись, он начинает видеть умерших посетителей торгового центра, а те в свою очередь пытаются понять, почему это произошло и как Сэм не распознал террориста-самоубийцу, ведь это его работа!

Фильм сюрреалестичен, а операторская работа превосходна. Да, он затянут, да его можно было сделать короче и живее, но тогда бы не было такой атмосферы. Если вы смотрели Экс Драммер, то встретите знакомые лица персонажей из этого фильма и сильно удивитесь тому как они преобразились в новых ролях.

«Курьер» (1986), режиссер Карен Шахназаров

Анастасия Немоляева и Федор Дунаевский в фильме «Курьер» (1986)

Лучший фильм 1987 года по версии «Советского экрана» — пожалуй, самого народного рейтинга в СССР. Исполнитель главной роли Федор Дунаевский попал на съемки с подачи своей одноклассницы Анастасии Немоляевой.

В целом, банальная история выпускника школы, который никуда не поступил, особо ничего от жизни не хочет, на фоне стремительно меняющейся страны. Для кого-то это комедия, для кого-то — драма, которая оставляет в финале вопросы о смысле жизни. В поиске ответов зритель невольно начинает вспоминать себя в этом возрасте и сравнивать с тем, куда он пришел после.