Уоррен Чанг
Первым художником в этом списке будет Уоррен Чанг. Будущий художник родился в 1957 году в Монтерее (штат Калифорния). Уоррен получил высшее образование в Калифорнийском Университете, а после этого степень бакалавра в Art Center (Пасадена).
После этого Уоррен начал свою карьеру профессионального художника и пишет маслом зачастую достаточно сложные по композиции и выдержанные по цветовой гамме картины. Его творчество явно унаследовало многие черты от классической европейской школы живописи XVII-XIX веков. Прослеживается схожесть в частности с творчеством Яна Вермеера. Многие называют творчество Чанга «неоклассикой», но его можно охарактеризовать и как «современное барокко» — на полотнах он контрастно выделяет объемы переднего и заднего плана, виртуозно работает с освещением и впечатляет зрителя обилием деталей.
Уоррен охотно показывает в своих картинах бытовые сцены, герои его полотен предстают простыми жителями со своими трудностями и пороками. Художник показывает зрителю «изнанку общества» с множеством деталей и сложностью пространственных композиций. «Припыленность» сцен он подчеркивает сдержанной цветовой гаммой, в которой преобладают теплые серые и оливковые оттенки. Это роднит его с другим американским художником — Эндрю Уайетом.
Оригинальный стиль Чанга не остался незамеченным и сейчас он имеет престижную премию «Master Signature» от ассоциации американских художников.
Биография и мысли Daniel F. Gerhartz
Родился Daniel F. Gerhartz в 1965 году в Kewaskum, что в штате Висконсин. На сегодня там же и проживает со своей женой Дженифер и маленьким детьми. Интерес Дэна к искусству возник в подростковом возрасте. Вдохновение многие годы черпал в утолении своей жажды посещения выставок и музеев. Вдохновлялся такими мастерами как Джон Сингер Сарджент, Альфонс Муха, Хоакин Sorolla, Карл фон Марр, Николай Фешин и многими другими из ряда французских и американских импрессионистов.
Далее Daniel он окончил Американскую Академию искусств в Чикаго, и с тех пор многократно участвовал в различнх персональных и групповых художественных выставках по стране. Завоевал несколько наград известных национальных и международных конкурсов. и его ненасытный аппетит для музеев и современных мастеров, таких как Джон Сингер Сарджент, Альфонс Муха, Николай Фешин, Хоакин Sorolla, Карл фон Марр, а также целого ряда других французских и американских импрессионистов вдохновляли его.
Смысл своего творчества Daniel F. Gerhartz видит в передаче зрителю разнообразного широкого опыта человеческой жизни, который особо виден в контрастах между жизнью и смертью, в радости и горе, в надежде и отчаянии. Но итоге он выводит тему Вечного, которое дает зрителю надежду. Ему всегда доставляли великое утешение слова Христа о том, что верующие в него будут жить вечно.
Daniel пишет свои картины, вдохновляясь жизнью, всею красотой и многообразием мира вокруг. Этот мир настолько сложен и велик, что неизбежно приходят мысли о создателе. Daniel ссылается на Иогана Себастьяна Баха, который подписывал свои глубокомысленной фразой «Лишь Богу слава».
Упоминание великого человека от музыки не случайно. Daniel имел ее влияние с детства. Его отец, обладая баритоном, выступал во многих хоровых коллективах. Исполняли работы Брамса, Шуберта, Палестрина, пели Евангелия и различных церковных композиторов.
Ребенком Daniel часто бывал на концертах отца. И сейчас он часто сравнивает живопись с музыкой, задается вопросами, что он взял из музыки для своего творчества и как передать чувство и гармонию музыки в красках.
Daniel имеет особый интерес и признательность к современному русскому искусству и ценным полотнам таких русских художников-классиков как Николай Фешин, Исаак Левитан, Илья Репин. Ему нравится их творческая свобода, новизна и отсутствие крикливости в работах.
Плавильный котёл США
Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).
Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.
*Тонализм – монохромные пейзажи серых, голубых или коричневых оттенков, когда изображение находится словно в тумане. Тонализм считается ответвлением импрессионизма, так как передаёт впечатление художника от увиденного.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Кьянде Уайли
Следующим художником в статье станет Кьянде Уайли. Парень афроамериканского происхождения родился в 1977 году в Лос-Анджелесе в небогатой семье. Его мать держала лавку со старой мебелью, где будущий художник вдохновлялся цветочными орнаментами, в частностями творениями британского художника Уильяма Морриса. В будущем именно с использования его паттернов Уайли и начинал свой творческий путь. Он закончил несколько заведений художественного образования, а кроме того, престижный Йельский Университет.
Работы Уайли представляют собой яркое и пёстрое сочетание портретов простых афроамериканцев с пышными ботаническими орнаментами. Творчество художника изобилует яркими цветами и, можно сказать, даже нарочито цветасто. Герои полотен Уайли одеты по современной моде и из-за этого еще больше контрастируют с окружающими их паттернами.
Творчество художника заслужило популярность — его полотна выставляются на престижных выставках не только в США, но и в Европе, а многие картины попадают в частные коллекции. Кьянде можно назвать одним из самых коммерчески успешных современных американских художников.
Девятнадцатый век
Альберт БирштадтСкалистые горы, Пик ЛандераМетрополитен-музейшколы ГудзонМэри КассатДетская баняЧикагский институт искусствPlay mediaДжеймс Макнил УистлерМать УистлераМузей Орсе
Первая известная школа живописи в США — Школа реки Гудзон — появилась в 1820 году. Томас Коул был пионером движения, в которое входили Альберт Бирштадт, Фредерик Эдвин Черч, Томас Даути и несколько других
Как и в с музыкой и литературой, это изменение было отложено до тех пор, пока художники не осознают, что световые предметы показывают уникальные для него самого; в данном случае расширение поселения на запад привлекло внимание художников к непостижимой красоте приграничных пейзажей
Прямолинейность и простота видения художников реки Гудзон повлияли и вдохновили таких более поздних художников, как Джон Кенсетт и люминисты ; а также Джордж Иннесс и тоналисты (среди которых были Альберт Пинкхэм Райдер и Ральф Блейклок ) и Уинслоу Гомер (1836–1910), изобразивший сельскую местность США — море, горы и людей, живших рядом с ними.
Пейзажист Школы реки Гудзон Роберт С. Дункансон был одним из первых важных афроамериканских художников. Джон Джеймс Одюбон, орнитолог, чьи рисунки изображали птиц, был одним из самых важных художников-натуралистов в начале США. Его главная работа, набор цветных гравюр под названием Птицы Америки (1827–1839), считаются одними из лучших орнитологических работ, когда-либо завершенных. Эдвард Хикс был американским народным художником и выдающимся служителем Общества друзей. Он стал квакером иконой из-за своих картин.
Огромные размеры земли и культуру жителей, живущих на ней, также стали самостоятельным жанром, огромные размеры земли и культуру населения. Джордж Кэтлин максимально честно изобразил Запад и его народ. Джордж Калеб Бингхэм, а позже Фредерик Ремингтон, Чарльз М. Рассел, фотограф Эдвард С. Кертис и другие записали США Западное наследие и Старый Американский Запад через их искусство.
Историческая живопись была менее популярным жанром в искусстве США в XIX веке, хотя , Вашингтон пересекая Делавэр, написанный уроженцем Германии Эмануэлем Лойце, относится к самым известным картинам США. Исторические и военные картины Уильяма Б.Т. Трего были широко опубликованы после его смерти (по словам Эдвина А. Пиплса, «Вероятно, нет ни одной книги по истории Америки, в которой не было бы (а) фотографии Трего.
В числе художников- портретистов в США в XIX веке входили необученные лимнеры, такие как Амми Филлипс, и художники, получившие образование в европейских традициях, такие как Томас Салли и GPA. своего художника в Томасе Икинсе (1844–1916), бескомпромиссном реалисте, чья непоколебимая честность подрывала благородное предпочтение романтического сентиментализма, хотя с тех пор был признан одним из самых значительных успехов в своей жизни. Одним из его учеников был Генри Оссава Таннер, первый афроамериканский художник, получивший международное признание.
A trompe-l’oeil натюрморта, зародившийся в основном стиль в основном в Филадельфии, включал Рафаэль Пил (один из н ескольких детей семьи Пил), Уильям Майкл Харнетт и Джон Ф. Пето.
Самый успешный американский скульптор своей эпохи, Хирам Пауэрс, уехал из США в возрасте около тридцати лет, чтобы провести остаток своей жизни в Европе, где он принял стиль для своих идеализированных обнаженных женщин, таких как Ева соблазнила. Некоторые известные художники, считают себя американцами, провели большую часть своей жизни в Европе, в частности, Мэри Кассат, Джеймс Макнил Уистлер и Джон Сингер Сарджент, все они были под влиянием французского импрессионизма. Теодор Робинсон посетил Францию в 1887 году, подружился с Моне и стал одним из первых художников США, принявших новую технику. В десятилетии века американский импрессионизм, практикуемый такими художниками, как Чайльд Хассам и Фрэнк У. Бенсон, стал популярным стилем.
Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)
Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк
В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.
Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.
Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.
Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.
Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.
Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.
Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.
Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.
Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция
Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.
Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.
Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.
Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.
Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)
Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.
Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.
Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).
Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.
Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».
Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г. Музей д’Орсе, Париж
Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.
Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.
Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.
Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.
На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.
Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.
Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.
Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.
Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Тонализм, как и близкий ему импрессионизм, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.
Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.
Начало
Джон УайтРоанокБританский музей
Одним из первых художников, посетивших Британскую Америку, был Джон Уайт (ок. 1540 — ок. 1606), который сделал важные акварельные записи о жизни американских американцев на Восточном побережье (ныне Британский музей ). Сначала Уайт посетил Америку как художник и картограф для исследовательской экспедиции, и в первые годы колониального периода других художников, обученных западным стилям, были офицерами в армии и на флоте, чья подготовка включала рисование пейзажей. Со временем английские поселения достаточно большими, чтобы поддерживать профессиональных профессиональных, в основном художников-портретистов, часто в основном самоучки.
Среди первых был Джон Смиберт (1688–1751), обученный художник из Лондона, который эмигрировал в 1728 году, намереваясь стать профессором изобразительного искусства, но вместо этого стал портретистом и продавцом печати в Бостоне. Его друг Питер Пелхэм был художником и гравером. Оба нуждались в других источниках дохода и имели магазины. Между тем, на испанских территориях, позже ставших американцами, можно было увидеть в основном религиозное искусство в стиле позднего барокко, в основном местных художников, а индейские культуры продолжали создавать искусство в своих различных традициях.
Джереми Липкин
Следующий художник в нашем списке — Джереми Липкин, тоже из Калифорнии. Джереми родился в 1975 году в Санта-Монике в семье художника-иллюстратора. Парень с детства был увлечен искусством и уже в подростковом возрасте начал активно развиваться в живописи, вдохновляясь европейской академической школой и натуралистическими пейзажами.
Наиболее известны его работы с изображениями людей, от них будто бы веет холодом и чувством одиночества. Художник очень удачно совмещает природное окружение с героями полотен и создается ощущение, будто бы они одни в этом мире. Его картина для фильма «Кража в музее» называется «Одиновая Дева», что только подтверждает эмоции, заложенные художником в его картины.
Следует сказать, что кроме портретов Липкин превосходно изображает пейзажи и натюрморты. Можно заметить, что от его пейзажей тоже веет прохладой и одиночеством, но более светлым и совсем не тягостным. Поистине многогранный художник.
Beeple
Невероятную популярность в последнее время обрел современный цифровой художник Майк Винкельманн, больше известный под псевдонимом Beeple. Майк родился в 1981 году в небольшом городке в штате Висконсин. С юности он увлекался технологиями и выучился в университете по специальности «Компьютерные науки». В ходе обучения он увлёкся цифровым искусством и компьютерной анимацией, что и привело его к известности в будущем.
Творчество Beeple можно охарактеризовать как киберпанк — в его мирах триумф технологий, но общая картина выглядит зачастую утопически и чудовищно. В своих работах Майк часто использует образы миллиардеров, политиков, и мультипликационных героев, при этом просматривается мысль протеста против диктатуры и технократии. Работы Бипла представляют собой зачастую шокирующую и гротескную смесь поп-культуры, хоррора и киберпанка, которая может нравиться или вызывать отвращение, но никого не оставит равнодушным. Художник изображает нам картины миров, где технологии уже взяли верх над человеком и он по сравнению с ними второстепенен. Он ловко высмеивает современную популярную культуру и вообще много иронизирует, в том числе и над собой самим, называя свои работы «Хламом Бипла».
С 2007 года Майк создает по одной работе в день, не давая себе дней на отдых даже на выходных и по праздникам. Первые 5000 (невообразимая цифра) его работ серии Everydays были проданы как NFT-токен с аукциона Christie`s 11 марта 2021 года за 69,34 миллиона долларов (еще более невообразимая цифра!) на блокчейне Ethereum, став одним из самых дорогих произведений современного искусства за всю историю. Во многом популярность криптоарта и NFT возросла именно после этой продажи.
Винкельманна можно назвать невероятно коммерчески успешным художником, ведь он успел поработать с такими брендами как Nike, Apple, SpaceX и Louis Vuitton, а визуальные эффекты его авторства использовались для концертов многих известных исполнителей. «. В жизни Майк — простой американец, живущий в обычном по меркам Южной Каролины доме и не слишком афиширующий свой успех. Художник постоянно осваивает новые программы и технологии, чтобы постоянно совершенствовать сложность своих работ и популярность Beeple можно считать вполне заслуженной.
Джон Сарджент (1856-1925 гг.)
Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.
Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».
Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.
Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк
Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.
Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.
К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.
Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».
Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.
Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон
В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.
Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США
Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.
Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.
Норман Роквелл (1894-1978 гг.)
Норман Роквелл. Автопортрет. Иллюстрация к выпуску журнала «The Saturday Evening Post” от 13 февраля 1960 г.
Сложно представить более популярного художника при жизни, чем Норман Роквелл. Несколько поколений американцев выросло на его иллюстрациях. Любя их всей душой.
Ведь Роквелл изображал обычных американцев. Но при этом показывая их жизни с самой позитивной стороны. Роквелл не хотел показывать ни злых отцов, ни равнодушных матерей. Да и несчастных детей вы у него не встретите.
Норман Роквелл. Всей семьей на отдых и с отдыха. Иллюстрация в журнале Evening Saturday Post от 30 августа 1947 года. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США
Его работы полны юмора, сочных цветов и очень умело схваченных из жизни выражений лиц.
Но это иллюзия, что работы давались Роквеллу легко. Чтобы создать одну картину, он мог сначала сделать до сотни фотографий со своими моделями, чтобы уловить верные жесты.
Работы Роквелла оказывали колоссальное влияние на умы миллионов американцев. Ведь он часто высказывался с помощью своих картин.
Во время Второй Мировой войны он решил показать, за что борются солдаты его страны. Создав в том числе картину «Свобода от нужды». В виде дня благодарения, на которой все члены семьи, сытые и довольные, радуются семейному празднику.
Норман Роквелл. Свобода от нужды. 1943 г. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США
Через 50 лет работы в Saturday Evening Post Роквелл ушёл в более демократичный журнал «Look», где смог выражать свои позиции о социальных проблемах.
Самая яркая работа тех лет – «Проблема, с которой мы живём».
Норман Роквелл. Проблема, с которой мы живем. 1964 г. Музей Нормана Роквелла, Стокбридж, США
Это реальная история чернокожей девочки, которая пошла в школу для белых. Так как был принят закон о том, что люди (а значит и учебные заведения) больше не должны разделяться по расовому признаку.
Но гневу обывателей не была предела. По дороге в школу девочку охраняла полиция. Вот такой «рутинный» момент и показал Роквелл.
Если хотите узнать жизнь американцев немного в приукрашенном свете (какой они сами хотели ее видеть), обязательно смотрите картины Роквелла.
Пожалуй, из всех представленных в этой статье живописцев, Роквелл – самый что ни на есть американский художник.
восемнадцатый век
Джон Синглтон КоплиУотсон и акула
После Декларации независимости в 1776 году, который ознаменовал официальное начало американской идентичности, новой нации нужна была история, и часть этой истории должна была быть выражена визуально. Большая часть раннего американского (с конца 18 века до начала искусства 19 века) из исторической живописи и особенно портретов. Как и в колониальной Америке. примечательными среди них являются Джозеф Бэджер, Джон Брюстер младший и Уильям Дженнис. Художники молодые страны в основном подражали стилю британского искусства, которые они знали по гравюрам и картинам иммигрантов, получивших образование в Англии, таких как Джон Смиберт (1688–1751) и Джон Волластон (активный 1742–75).
Роберт Феке (1707–52), неподготовленный художник колониального периода, создал сложный стиль, основанный на примере Смиберта. Чарльз Уилсон Пил, который многого добился Изучая копии европейских картин Смиберта, он написал портреты многих важных фигур американской революции. Младший брат Пила Джеймс Пил и четверо сыновей Пила — Рафаэль Пил, Рембрандт Пил, Рубенс Пил и Тициан Пил — тоже художники. Такие художники, как Гилберт Стюарт рисовали портреты новоизбранных правительственных чиновников, которые стали знаковыми после того, как были воспроизведены на различных почтовых марках США XIX и начала XX века.
Джонлтон Копли нарисовал символические портреты для все более процветающего купеческого класса, в том числе портрет Пола Ревира (ок. 1768–1770). Первоначальная версия его самой известной картины Ватсон и акула (1778) находится в коллекции Национальной галереи искусств, а другая версия есть в Бостоне. Музей изящных искусств и третья версия в Детройтском институте искусств. Бенджамин Уэст писал портреты, а также исторические картины французской и индийской войны. Уэст также работал в Лондоне, где учились многие американские художники, в том числе Вашингтон Олстон, Ральф Эрл, Джеймс Эрл, Сэмюэл Морс, Чарльз Уилсон Пил, Рембрандт Пил, Гилберт Стюарт, Джон Трамбал, Мазер Браун, Эдвард Сэвидж и Томас Салли. Джон Трамбал рисовал крупно батальные сцены Войны за независимость. Когда рисовали пейзаж, это чаще всего делалось, чтобы показать, сколько собственности принадлежит объекту, или в качестве живописного фона для портрета.
