Песни Саламона
«Хаширим ашер ле Шломо» 1-я обложка
Еврейский композитор Саламоне Росси был Мантуя с Семья Гонзага придворный композитор с конца XVI до 1630-х гг. (начало Барокко период), который писал светскую музыку. Его книга Песни Саламона («Хаширим ашер л’Шломо») — одно из самых ранних сочинений синагогальной музыки. Во введении к книге он описывает последовательность событий, которые привели к ее публикации, где он поднимает спорный вопрос о исполнении нерелигиозной музыки в его старинном стиле в синагоге. Он подчеркивает, что песни составлены в соответствии с мудростью западного музыкального стиля гармонии эпохи позднего Возрождения и раннего барокко. Он также документирует количество голосов в этих композициях.
РОМАНТИЗМ В МУЗЫКЕ 19 ВЕКА
Музыканты подчеркивают связь с родиной, черпают вдохновение в народных пластах музыкальной культуры. Так формируются национальные музыкальные школы, обнаруживая государственную принадлежность каждого композитора-романтика и своеобразие его стиля: Карл Мария Вебер в опоре на немецкий народный мелос и сказку создал национальную оперу (Вольный стрелок, 1821); Михаил Иванович Глинка – русскую (Жизнь за царя, 1836); инструментальные и вокальные сочинения Франца Шуберта наполнены австрийскими мелодиями и бытовыми танцами (лендлер, вальс), а в области вокальной музыки, он, как и Роберт Шуман – создатели нового жанра немецкой песни Lied; не только мазурки и полонезы для фортепиано, но все сочинения Фридерика Шопена, обосновавшегося в Париже, пронизаны интонациями его родины – Польши; будучи венгром, Ференц Лист в постоянных странствиях по всей Европе создал Венгерские рапсодии для фортепиано и претворил ритмы венгерского танца вербункош; творчество Рихарда Вагнера основано на немецкой мифологии и философии; Эдвард Григ черпал вдохновение в норвежских образах, танцах и песнях; Иоганнес Брамс опирался на традиции немецких полифонистов и создал Немецкий реквием; Бедржих Сметана и Антонин Дворжак – на славянский мелос, Исаак Альбенис – на испанский.
Труверы и трубадуры.
Имена многих трубадуров и труверов свидетельствуют о том, что они были выходцами из различных социальных слоев: Гийом VII, граф Пуатье, герцог Аквитанский; граф Ангулемский; бедный гасконец Маркабрюн, служивший при каталонском дворе, Бернарт де Вентадорн; Бертран де Борн. Пейре Видаль – экспансивный и бойкий на язык, служивший при дворе венгерского короля, он и Гируат де Борнейль были близки к властителям Барселоны; при том же дворе много лет служил Гираут Рикьер, чьи мелодии (48) сохранились более всего; Фольке Марсельский из семьи богатого генуэзского купца и Госельм Феди, проигравший свое состояние и ставший жонглером. В 12 в. трубадуры пользовались успехом при кастильском дворе на Севере Испании. Большинство труверов вело свое происхождение из Арраса (к северу от Лауры). Среди труверов много нетитулованных горожан и странствующих рыцарей (Жан де Бриен) и участников крестовых походов (Гийом де Феррьер, Бушар де Марли). Известны были Канон де Бетюн – сын графа, автор многих песен о крестовых походах; бедняк-жонглер, но образованный и тонкий поэт Колен Мюзе, а также Тибо, граф Шампани, король Наварры (сохранилось 59 мелодий).
Городские музыканты (жонглеры, менестрели, шпильманы). С 9 в. появляются сведения о народных музыкантах, чей песенный и инструментальный репертуар будет положен в основу светской музыкальной лирики в 12–13 вв. Жонглеры, менестрели, шпильманы – музыканты-ремесленники. Большая часть их бродила из города в город, они выступали на праздниках. Некоторые оседали и становились городскими трубачами и барабанщиками, певцами, мимами, актерами, исполнителями на различных музыкальных инструментах (виеле – типе скрипки, арфе, флейте, шалмее – типе гобоя, органе и др.). Нередко они устраивались на службу к сеньорам. Среди странствующих подмастерьев прославился певец, поэт и драматург Ганс Сакс, который путешествовал по городам Германии и возглавил движение мейстерзингеров в Нюрнберге.
Музыкальный фон
Сочетание музыки в религиозных церемониях — обычное дело в человеческой культуре. Влияние музыки на слушателей упоминается в «Библе» по разным поводам. Вот три примера:
Дэвид играет на арфе.
- В книге Псалмы — в Племя Леви петь в Храм в Иерусалиме. (Псалмы, глава 92, 4-й стих)
- В истории царь саул кто пригласил Дэйвид играть для него музыку.
- в истории битвы между тремя королями: Царь Иудеи, царь Израиля Иорам и царь Эдом кто боролся против Моав, сын Много. Вода была на исходе, и поэтому, прежде чем они пошли на битву, Иорам умолял Пророка Елисея пророчествовать и создать воду. Элиш в свою очередь потребовал использовать силу музыки, с помощью которой ему удалось обеспечить водой.
В Масореты кто стремился сделать еврейскую молитву единообразной, изобрел Никкуд (Вокализация на иврите) и Кантилляция, который позже стал важным пластом для стандартизации еврейской молитвы. Однако версии кантилляции различаются, поэтому невозможно узнать мелодию, которую она пела в тот период, когда она была написана. Подобные явления произошли в христианская церковь. В течение Карл Великий В период 9 века, в связи с требованием Церкви унифицировать все версии христианской молитвы были изобретены ранние музыкальные ноты, которыереволюционизировал мир западной музыки: он создал единый язык, понятный каждому, кто овладел нотной грамотой.
Нотация — это система, используемая для визуального представления музыки, воспринимаемой на слух, с помощью письменных символов. С момента своего создания западная музыка развивалась и стала важным языком для западной музыкальной документации. Элементы аранжировки голосов и гармонии, а также различные компоненты, которые она имеет, являются важным элементом в обосновании исполнения музыки в западном стиле в синагоге.
Черты барокко в Италии.
Наиболее ярко представлены черты барокко в творчестве итальянских композиторов-органистов. Венецианская полифоническая школа выдвинула Андреа и Джованни Габриели, сопоставлявших вокальные и инструментальные звучания, вводивших аккордовую фактуру. Дж.Габриели (1557–1612/13) начал использовать динамические указания, вводить тематические и ритмические повторы, создал инструментальные сочинения, близкие к зарождавшемуся новому светскому жанру концерта.
Наряду с игрой на органе зарождалась и распространилась по всей Европе практика игры на клавирах – предшественниках фортепиано. Репертуар игры на клавесине, чембало, вирджинале мало чем отличался от органного, но обогащался новыми танцевальными ритмами и аккордовым сопровождением, заимствованным из практики игры на лютне. В Лондоне расцветало творчество Генри Пёрселла.
История
«Барселонская Агада» XIV века с западным музыкальным инструментом.
- Еврейский музыкальная композиция в соответствии с западной художественной теорией этого периода первоначально был задокументирован в западный Музыкальные ноты. Свидетельства музыкальных нот XII века были найдены в Каир Гениза и был написан нормандийцем Обадия прозелит. Эти ноты — самый ранний (самый древний) музыкальный письменный документ, принадлежавший синагоге.
- В 16-17 вв. эпоха Возрождения культура была широко распространена и, следовательно, оказала влияние на еврейскую общину. Одним из последствий этого было исполнение художественной музыки в синагогах. Еврейский народ, который не чувствовал себя комфортно, будучи частью менее развитой культуры, начал строить большие синагоги с красивой структурой и великолепно великолепно украшенными изобразительным искусством, не меньше, чем соседние церкви в Казале Монферрато, Флоренция, Венеция. и в Риме. выдающимся композитором того периода был итальянский композитор Саламоне Росси. Он был хорошо известен благодаря своему огромному вкладу в художественную музыку, исполняемую в синагогах. Первые признаки художественной музыки в синагогах были обнаружены в Падуя (С 1555 по 1565 год), в Феррара (1605), Мантуна (с 1610 по 1612) и в Венеция (около 1628 г.). В этот период из-за Контрреформация евреи были вынуждены гетто в Италия. Судя по всему, превращение еврейских общин в гетто и рост синагоги художественной музыки не только перекрываются во времени, но и имеют причинно-следственную связь.
- В середине 17 века начало середины Барокко В период исполнения музыкальное искусство было распространено во многих синагогах Италии. Мы знаем это благодаря трудам Иегуды Ми-модены, который процитировал слова Нетанела Тработа из 1645 года о музыке, которую играют и поют в синагогах, когда евреи поклоняются богу. Исследователи обнаружили доказательства того, что музыкальное искусство было обычным компонентом и институционализировано в культурной жизни еврейских гетто в Италии.
- Потомки Анусим (криптоевреи) из Испания и Португалия которые обосновались в Амстердаме в конце 16 века, стали одним из самых процветающих сообществ в Европа в 17-18 вв. Эти криптоевреи, вернувшиеся в Иудаизм, ассимилированный Христианская культура в те годы, когда они жили как Христианин. Смесь евреев, которые скрывают свою истинную идентичность, живут как христиане, принадлежат к высшему обществу и испытывают потребность в творчестве, привели к созданию множества произведений искусства в различных областях.
- Единственная еврейская община, оставшаяся во Франции после изгнания из Франции 1394 г., была Еврейская община Прованса. Поскольку они не были изгнаны, у них была возможность развить богатую культуру сообщества. Одно из оставшихся в этом сообществе имеет огромную ценность — Кантата для британца.
«Кантиги святой Марии»: жемчужина короны Альфонсо Мудрого
Время и место создания
Вторая половина XIII века, Испания.
Что содержит
Около ста тридцати кáнтиг — одноголосных композиций на галисийско-португальском языке.
Где хранится
Библиотека Эскориала, Мадрид (шифр Ms. To. 10069). Электронное факсимиле можно посмотреть здесь.
В правление короля Альфонсо X Мудрого (1252–1284) испанские королевства Кастилия и Леон переживали культурный подъем. Альфонсо покровительствовал искусствам и наукам, писал стихи и трактаты, за что получил прозвище el Sabio, «Мудрый». При этом монархе был также создан музыкальный кодекс, посвященный Деве Марии. Наиболее ранняя рукопись сборника, получившего название «Кантиги святой Марии», была составлена в Толедо около 1275 года и содержит почти 130 произведений. Всего написано более четырех сотен кантиг на галисийско-португальском, языке поэзии и музыки в средневековой Испании. В них воспевались чудеса Богоматери, небесной покровительницы Альфонсо.
Музыка эпохи барокко (17 – начало 18 в.)
Начало 17 в. – время, когда в искусствах обнаруживают себя черты стиля барокко. В светских формах музыка сближается с литературой и теряет связь с математикой. Музыкальное искусство не рассматривается теперь в системе квадриума, а сближается с риторикой и вместе с грамматикой и логикой включается в тривиум. Развитие инструментальных жанров отделяет музыку от поэзии и танца. Выходит трехтомный трактат немецкого органиста и композитора Михаэля Преториуса (1571–1621) Syntagma musicum (1615–1619), где рассматриваются формы духовной и светской музыки, музыкальные инструменты (огранофграфия) и музыкальные термины, определяющие суть характерных для своего времени вокальных жанров (мотет, мадригал) и инструментальных (концерт, прелюдия, фантазия, фуга, токката, соната, симфония), популярных танцев (аллеманда, куранта, гальярда, вольта) и др.
Обадия прозелит
Проблема Обадия прозелит в музыкальной сфере все еще исследуется. 3 мелодии, которые Гениза фрагменты в Каир Гениза содержатся в Кембриджский университет и в Еврейская теологическая семинария Америки библиотека в Нью-Йорк. Эти мелодии были написаны в Neumes музыкальные ноты Обадии Прозелита в первой половине XII века. Эти персонажи — самое раннее музыкальное письменное произведение из синагоги, написанное западными нотами, которые можно прочесть средствами, известными музыковедам.
Обадия Прозелит был Христианин член благородство ВОЗ обратился в иудаизм и был знаком с написанием музыки, используя нотная запись. Одна из находок — это музыкальное исполнение библейских текстов, которое он, вероятно, узнал от одного из Ближний Восток общины, где он останавливался после своего обращения в 1102 году. Среди мелодий есть «Кто на горе Хорев», которая по звучанию похожа на Григорианский напев музыкальный стиль.
Антифонарий Харткера: сборник григорианских хоралов
Время и место создания
Конец X — начало XI веков, Священная Римская империя.
Что содержит
Годовой цикл церковных распевов в традиции григорианского хорала.
Где хранится
Кодекс разделен на две рукописи, обе хранятся в библиотеке Санкт-Галленского монастыря, Швейцария (шифр Cod. Sang. 390–391). Электронное факсимиле можно посмотреть здесь.
Целью реформы была унификация церковного обряда и богослужения на всей территории огромной империи и вытеснение локальных певческих традиций (на тот момент основных насчитывалось пять: амвросианская в Милане, староримская в Риме, мосарабская в Испании, галликанская во Франкии и беневентанская на юге Италии).
Повсеместное распространение хорала в Европе заняло более двух столетий. Вместе с ним происходило утверждение и первой средневековой формы музыкальной нотации — нéвменной, в которой записывали мелодии распевов.
Висбаденский кодекс: сочинения «Рейнской сивиллы»
Время и место создания
Конец XII века, Германия.
Что содержит
Музыкальные произведения Хильдегарды Бингенской.
Где хранится
Федеральная библиотека Гессена в городе Висбаден (шифр Ms. Hs. 2; нотированная часть с f. 466r). Кодекс оцифрован, посмотреть можно здесь.
Хильдегарда Бингенская (1098−1179), прозванная «Рейнской сивиллой» — женщина уникальная для эпохи Средневековья. Уже в два года она узрела первые видения. Став настоятельницей собственного монастыря, Хильдегарда добилась почтения сильных мира сего, в том числе римских пап и императоров. Она оставила нам огромное письменное наследие не только в богословии, но и в медицине, зоологии, кулинарии, поэзии и музыке. Многое из этого дошло до нас в увесистом (более 15 кг!) Висбаденском кодексе, который начали составлять сразу после смерти Хильдегарды.
Мировая художественная культура
Глава 29. Стилистическое многообразие западноевропейской музыки
Какими только эпитетами не награждали музыку XX столетия! «Модернистская», «буржуазная», «элитарная», «революционная», «большевистско-пропагандистская», «джазовая», «авангардистская», «попсовая»… Разобраться в этом калейдоскопе направлений непросто, а поэтому обратимся лишь к самым значительным, ярким именам и явлениям музыкальной культуры XX в., определившим её общий характер и основные пути развития.
Частая смена художественных направлений, течений и стилей, ставшая характерной приметой музыки Новейшего времени, открыла безграничные возможности для слушателей. Различные её пласты (от элитарной, серьёзной музыки до джаза, рок- и поп-музыки) сегодня способны удовлетворить самые изысканные и самые непритязательные вкусы.
В значительной мере раздвинулись границы и рамки музыкального искусства, которое теперь стало носить поистине интернациональный характер. В музыку Европы смело врывались африканские и латиноамериканские ритмы, а в музыку Востока проникали европейские интонации.
Прислушиваясь к «шуму времени» (О. Э. Мандельштам), музыка чутко фиксировала все социальные потрясения и катаклизмы XX столетия. Вместе с тем, выдвигая новые музыкальные принципы, XX век с трудом преодолевал романтические тенденции, вновь и вновь искал опору в традициях старинной музыки барокко и классицизма. Выдвинутый русским композитором И. Ф. Стравинским (1882—1971) лозунг «Назад к Баху!» лишний раз подтверждал прочность классических традиций в музыке. Но время смелых поисков и экспериментов уже диктовало новые пути развития музыкальной культуры.
Публика, привыкшая к музыке приятной, услаждающей слух, особенно не жаловала новаторов своим вниманием. Однако музыка, ещё совсем недавно казавшаяся грубой и бессмысленной, зачастую попадала в разряд классической
История музыкальной культуры XX в. знает немало подобных примеров.
Что же, в сущности, изменилось в музыке XX столетия? Прежде всего иными стали принципы музыкального мышления. Пьер Булез (р. 1925), один из самых ярких французских композиторов Новейшего времени, отмечал:
«Мы идём к неизведанному. Но первое, что надо иметь в виду: развитие идёт через прогресс музыкального материала — через новые технологии, новый материал для звукоизвлече-ния. Можно говорить по аналогии: в архитектуре новые материалы — металл, стекло, бетон — позволили в своё время реализовать новые строительные идеи; из дерева и камня нельзя построить дом в 100 этажей. Похоже и в музыке: мы открыли новый звук, и композитор должен заново выстроить своё мышление».
Экспрессионизм в музыкальной культуре Германии.
Атмосфера культурной жизни Германии и Австрии в начале 20 в. была наполнена трагическими предчувствиями грядущих мировых войн. Здесь осуществлялось сознательное разрушение тонального мышления предшествующих эпох – основы музыкального языка классиков и романтиков.
В первой половине 20 в. в Европе зарождаются явления, которые создают предпосылки для авангардизма. Композиторы обращаются к необычным тембрам, ритмам, интонациям (фольклору, джазу, экзотическим восточным инструментам, шумам), расширяя сферу самого материала музыки и увеличивая арсенал используемых средств. Особое обновление наблюдается в области ритмики, которая становится жестче, агрессивнее, разнообразнее по характеру и насыщается элементами экзотики и архаики. Интерес к танцевальным, пластическим, сценически-ораториальным жанрам увеличивается. Миф, сказка и аутентичный (или стилизованный) музыкальный фольклор становится материалом для создания новых произведений, основанных на современной технике письма. Ново-фольклорному направлению (неофольклор) отдали предпочтение Игорь Стравинский, Бела Барток, Карл Орф.
Мода на лишенную тональности (атональную) музыку преобладала, хотя не все композиторы следовали ей. Некоторые, напротив, отстаивали художественную значимость тональных основ мелодии и проявляли интерес к неклассицизму
Многие опусы немецкого композитора Пауля Хиндемита, в том числе и его учение о композиции, подчеркивали важность если не лада, то хотя бы тонального центра в качестве выразительного средства музыки. Неважно, в мажоре или миноре написано произведение, называется оно по тому главному тону, которым заканчивается (Симфония in B для духовых, 1951; цикл пьес для фортепиано Ludus tonalis, 1942)
Опора на мажоро-минорное мышление характеризует также творчество Онеггера, Пуленка, итальянского композитора Альфредо Казеллы (1883–1947) и др.
Григорианский хорал.
Ставшее основой христианского богослужения пение долго оставалось одноголосным. В большинстве церквей оно осуществлялось по типу псалмодии, походившей на рецитацию: небольшого диапазона и практически не распеваемые слова текста исполнялись одним человеком, а молящиеся отвечали такой же монотонной рецитацией. Текст доминировал над музыкой, которая следовала ритмике слов, а мелодические интонации не должны были отвлекать от смысла текста. В 5–7 вв. существовали различные монастырские традиции, развивавшиеся параллельно римской. В Лионе, Британии и на севере Италии возникло галликанское пение, в Испании (Толедо), находившейся под влиянием арабо-мусульманской культуры – мозарабское. С 5–6 вв. в Италии стало принято исполнять священные тексты в манере пения гимнов, которые отличались голосовым распевом и мелодичностью. Создателем этого типа пения стал в Милане епископ Амвросий, который использовал стихи в форме античной римской поэзии (амвросианское пение).
Монотонное псалмодическое пение не имело ритмизации (распевался прозаический текст). Мелодия плавно поднималась наверх, к более высоким тонам, удерживалась здесь и спускалась вниз к исходному уровню. Тексты и напевы содержались в особых книгах и обновлялись. Круг основных ладов-мелодий, подчеркивающих духовный строй молитвенного ритуала, был ограничен восемью. Они составили структуру октоиха – системы восьми церковных ладов, господствовавших в практике обучения певчих и в музыкальной теории. Средневековые теоретики предписывали каждому ладу свой эмоциональный строй: 1 – подвижность, ловкость; 2 – серьезность и плачевная торжественность; 3 – возбуждение, стремительность, гневливость и суровость; 4– спокойствие и приятность, болтливость и лесть; 5 – радость, успокоение и веселье; 6 – печаль, трогательность и страстность; 7 – легковесность молодости, приятность; 8 – старческую серьезность, величавость.
Среди свода григорианских хоралов имелись песнопения, которые отличались от повседневных и составляли особый вид службы – мессу. Это цикл песнопений по случаю главных богослужебных праздников из 5–6 разделов. Каждый получал название по начальным словам текста: Kyrie eleison (Господи, помилуй); Gloria… (Слава в вышних богу); Credo… (Верую во единого бога); Sanctus… и Benedictus (Свят господь бог Саваоф); (Благославен грядущий во имя бога); Agnus Dei… (Агнец божий, взявший на себя грехи мира).
«Песенник короля»: компендиум лирической поэзии
Время и место создания
Середина XIII века, Морейское княжество (Греция).
Что содержит
Более шестисот произведений трубадуров и труверов.
Где хранится
Национальная библиотека Франции, Париж (шифр Ms. fr. 844). Оцифрован и выложен в сеть, полистать можно здесь.
Обратимся к произведениям на «народных» языках. Первая ассоциация — это, конечно же, песни провансальских и окситанских поэтов-трубадуров. Однако сочиненные ими песни бытовали в устной форме и были записаны лишь в XIII–XIV веках, когда эпоха трубадуров уже клонилась к закату. И тем большую ценность представляет так называемый «Песенник короля» (фр. Chansonnier du Roi) — огромное собрание лирической поэзии трубадуров и их северофранцузских коллег-труверов.
«Большая книга органума»: расцвет литургической полифонии
Время и место создания
Середина XIII века, Франция.
Что содержит
Около 900 полифонических композиций парижской школы Нотр-Дам.
Где хранится
Библиотека Медичи Лауренциана, Флоренция (шифр Ms. Pluteus 29.1). Кодекс выложен в интернет, загрузить можно здесь.
«Большая книга органума» считается главным наследием школы Нотр-Дам — музыкального сообщества, сложившегося при одноименном парижском соборе приблизительно в 1150–1250 гг. Под этим названием объединяют три рукописи
Самой важной является так называемая Флорентийская рукопись F, созданная для французского короля Людовика Святого в середине XIII века. Она содержит почти 900 полифонических композиций в разных жанрах: от органумов на два, три и даже четыре голоса до кондуктов и дискáнтов
Итальянская опера в Европе.
Источником светской музыкальной традиции в 17–18 вв. оставалась Италия. По всей Европе (вплоть до России) распространялась итальянская опера. Итальянские музыканты приглашались ко дворам испанских, французских, австрийских монархов, вывозились в качестве слуг в дома знатных аристократов. Например, знаменитый клавесинист-виртуоз, состязавшийся в Риме с Генделем, Доменико Скарлатти – автор первых клавирных сонат, служил при дворе в Лиссабоне в качестве учителя королевы Португалии Марии Барбары, в Мадриде служил композитор и виолончелист Луиджи Боккерини (1743–1805), а должность дирижера оперной труппы Вены и придворного музыканта занимал композитор Антонио Сальери (1750–1825). Богатые европейские дворы стремились создавать собственные музыкальные увеселения. В середине 17 в. немецкие музыканты осваивают оперные постановки в Гамбурге (Г.Ф.Телеман, Р.Кайзер). Появившаяся в Италии опера-буфф, основанная на бытовых, народных и комедийных сюжетах (Служанка-госпожа Дж.Б.Перголези, 1733, Чеккина Н.Пиччини, 1760), распространяется в своих разновидностях во Францию (опера-комик), в Англию (балладная опера), в Вену (зингшпиль).
